Paul Cézanne, né le 19 Janvier 1839 à Aix-en-Provence, mort le 22 octobre 1906 dans la même ville, est un peintre français, membre du mouvement impressionniste, considéré comme le précurseur du cubisme. Il est l'auteur de nombreux paysages de Provence, et particulièrement de la campagne d'Aix-en-Provence. Il a notamment réalisé plusieurs toiles ayant pour sujet la montagne Sainte-Victoire. Ami d'enfance de l'écrivain Émile Zola qu'il rencontra à Aix-en-Provence, il se brouillera avec lui dans ses dernières années.

"Paul Cézanne (1839 - 1906) est un peintre français Cézanne naît à Aix-en-Provence le 19 janvier 1839 dans une famille aisée et fréquente le Collège Bourbon où il se lie avec Émile Zola. Il entreprend sans enthousiasme des études de droit à l'Université d'Aix. Il suit des cours à l'École de Dessin et aménage un atelier au Jas de Bouffan, résidence que son père a achetée. En 1862, il abandonne la carrière juridique et part à Paris. Il travaille à l'Académie Suisse et y rencontre Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, et Sisley. Il est refusé à l'École des Beaux-Arts en raison d'un tempérament jugé trop excessif. En 1872, il s'installe à Auvers-sur-Oise où il peint avec Pissarro. Il rencontre Vincent Van Gogh et travaille dans la maison du docteur Gachet. En 1874, le photographe Nadar organise la première exposition collective des impressionnistes et le public réserve un accueil peu encourageant, voire scandalisé, aux toiles de Cézanne. Après un nouvel échec en 1877, il se détache du groupe impressionniste. En 1896, il rompt avec Zola qui lui a envoyé L'Œuvre. Sa première exposition personnelle, en 1895, se heurte encore à l'incompréhension du public mais lui vaut l'estime des artistes. Sa renommée devient internationale et il remporte à Bruxelles un grand succès lors des expositions des Indépendants. Le 22 octobre 1906, une pneumonie l'emporte.

D'un tempérament fougueux et irascible, le "solitaire d'Aix" n'a vécu que pour la peinture. C'est Pissaro, sensible et tolérant, qui l'a aidé à s'éloigner des règles et des principes. Cézanne mettra à profit la technique "des petits traits de pinceau" qu'il va mêler à de larges touches en relief pour représenter des formes compactes, structurées par la lumière. Il s'éloignera de la technique impressionniste pour chercher au fond des choses leur forme éternelle, intrinsèque. Par la réflexion et l'observation, il va obtenir cette nouvelle "harmonie parallèle à la nature". Ses dernières toiles contiennent une largeur de composition, une puissance de synthèse et une gamme de couleurs étendues en touches régulières qui annoncent la naissance imminente du cubisme.

Paul, Émile et l'Œuvre "Paul peut avoir le génie d'un grand peintre, il n'aura jamais le génie de le devenir". Ainsi Émile Zola annonce-t-il le drame de Paul Cézanne, toujours insatisfait de son travail. L'écrivain va plus loin: Claude Lantier, le personnage central de L'Œuvre (1886) est proche de Cézanne par la physionomie et le caractère. Zola en fait un peintre raté, pourtant chef de la nouvelle école de "Plein air"; Claude finit par se suicider. D'une certaine façon, le roman peut se lire comme une revanche de la littérature sur la peinture et la description du groupe d'artistes tourne à la caricature. Manet, qui fit scandale au Salon des Refusés en 1863, a pu servir aussi de modèle au romancier. Pourtant, Cézanne a cru se reconnaître dans ce peintre : blessé, il a répondu à Zola une lettre d'une froide politesse qui a mis un terme définitif à leur amitié."

Source : http://www.isabel.co...nne/record.html

Jackson Pollock, peintre américain né en 1912, est l'un des fondateurs de l'expressionnisme abstrait. C'est à la fin des années 50 qu'il devient mondialement célèbre notamment grâce à sa technique de « dripping » (projection de peinture sur la toile) ; s'il a mis toute une vie à être reconnu, son travail a souvent été sévèrement critiqué, certains le voyant comme « puéril ».

"Représentant de la peinture expressionniste abstraite américaine, Jackson Pollock arrive à New York en 1930 où il suit les cours du peintre Thomas Benton jusqu’en 1932. Il en garde un fort intérêt pour les surfaces dynamiques et rythmées. Il s’intéresse également à l’artisanat indien, aux fresques des artistes mexicains, à la peinture de Miro et de Masson dont il retient l’automatisme non pas psychique mais physique, mais sa référence véritable reste tout au long de sa vie Picasso. De 1938 à 1947 il traite principalement des thèmes mythologiques, même si l’on voit apparaître dans ses toiles, dès les années 1942-1943, des tracés linéaires ou encore des rythmes de couleurs crues formant des compositions sans points privilégiés et où la figuration disparaît complètement. Il quitte New York en 1945, pour s’installer avec sa femme Lee Krasner à la campagne dans le East Hampton. C’est là-bas qu’en 1947, il met fin à l’utilisation traditionnelle du pinceau et lui préfère le dripping, projection de peinture sur la toile et surtout le pouring, coulage du matériau à partir du pot de peinture ou d’un bâton. Les tableaux prennent la forme d’entrelacs colorés déposés sur une toile à même le sol où aucun sens de lecture ne prévaut. Jackson Pollock est l’un des tenants de ce que le critique Harold Rosenberg nomme l’action painting, une peinture gestuelle qui nécessite un engagement physique de l’artiste avec sa toile. Les dernières années de la vie de Pollock sont marquées par une crise créatrice et il meurt tragiquement dans un accident de voiture."

source : http://www.evene.fr/...llock-25858.php

Willem [de] Kooning, né le 24 Avril 1904 à Rotterdam et mort le 19 Mars 1997 à Long Island (New York), est un peintre d'origine néerlandaise, naturalisé américain, initiateur de l'expressionnisme abstrait.

De Kooning est un peintre de figures, de portraits ; il utilise la gouache, l'aquarelle, le pastel, les techniques mixtes ; il est aussi sculpteur et dessinateur.

Willem de Kooning, peintre et sculpteur néerlandais naturalisé américain, naît le 24 avril 1904 à Rotterdam. Il décède à East Hampton le 19 mars 1997. Willem de Kooning est considéré comme le père de l'expressionnisme abstrait.

Sculpture dans le Jardin des Tuileries de Willem de Kooning

Willem de Kooning étudie à l'Académie des Beaux-Arts de Rotterdam où il obtient son diplôme en 1925.

Il part clandestinement pour les États Unis en 1926. Il s'installe brièvement à Hoboken dans le New Jersey avant de rejoindre New York en 1927. Il travaille comme peintre en bâtiment et comme artiste dans la publicité, avant de devenir artiste peintre à temps plein à partir de 1936.

Il rencontre Stuart Davis, John Graham et Arshile Gorky avec qui il devient ami.

À la fin des années 30, l'œuvre de Willem de Kooning est principalement influencé par le cubisme et le surréalisme, ainsi que par Gorki avec lequel il partage un studio.

En 1938, de Kooning débute sa première série de peintures sur la femme, un des thèmes récurrents de l'artiste.

Sa première exposition solo, qui a lieu en 1948 à la Galerie Egan de New York, établi définitivement sa réputation d'artiste majeur.

Dans les années 50 et 60, Willem de Kooning réalise des séries sur la femme, des paysages urbains, des paysages ruraux.

En 1962 Willem de Kooning obtient la nationalité américaine.

En 1968, l'artiste se rend pour la première fois aux Pays-Bas depuis 1926, à l'occasion de la rétrospective qui lui est consacrée au Stedelijk Museum d'Amsterdam.

A partir de 1989 Willem de Kooning souffre de la maladie d'Alzheimer.

Une rétrospective se déroule au Museum of Modern Art de New York en 1997.

Source : http://www.moreeuw.c...-de-kooning.htm

Gustav Klimt est né le 14 juillet 1862 à Baumgarten, près de Vienne, fils d'un graveur. En 1876, il entra dans la classe de peinture du professeur Julius Viktor Berger à l'école des arts et métiers. Sa formation se termina en 1883 et fonda la même année la "Künstler compagnie" (compagnie des artistes) qui comprit, en dehors de lui, son frère Ernst Klimt et Franz Matsch. En 1886, au Burgtheater, le style de Gustav Klimt commence à se différencier de celui de son frère et de Matsch, et à s’éloigner de l’académisme. En 1888, il reçut la médaille d'or de l'ordre du mérite et entama un voyage qui le mena à Cracovie, Trieste, Venise et Munich.

Quelques années après la mort de son père et de son frère en 1892, Gustav Klimt fonda en 1897 avec Joseph Maria Olbrich et Josef Hoffmann la "Wiener Secession" (Sécession de Vienne), dont il fut le chef de file et qui présenta sa première exposition une année plus tard. La clique de Klimt se retira pourtant de la Wiener Secession en 1905. Une année plus tard, Klimt créa fédération autrichienne des artistes, dont il devint le président. Il entreprit alors un voyage à Bruxelles, Londres et Florence. En 1907, il présenta ses premiers dessins érotiques. En 1909 se terminent ses années d'or. Klimt mourut le 6 février 1918 à Vienne.

Déjà au début du 20 siècle, Gustav Klimt était considéré comme un artiste incontournable de la scène viennoise. Il unit les différents courants du Judentstil et réalisa la synthèse entre le figuratif et l'ornemental, dans un style fait d'aplats qui fit, sur le contemplateur, un effet à la fois sensuel et tape-à-l'œil.

Source : http://www.repro-tab...stav-klimt.html

Artiste non reconnu et incompris de son vivant, Van Gogh est l’un des grands peintres du XIXème siècle. Hésitant un temps entre la vocation artistique et religieuse, il choisit de se consacrer à la peinture. On peut dire aujourd’hui qu’il a eu raison. Son style très coloré a une vitalité et une tension particulière qui n’ont pas fini de marquer les esprits.

Entre art et religion

Vincent (Willem) Van Gogh est né le 30 mars 1853 à Groot-Zundert, un petit village de Hollande. Fils d'un pasteur protestant, il fut baigné dès son plus jeune âge dans la religion. Son tempérament agité lui pose quelques difficultés pour se faire des amis. En 1857 naît son frère Théodorus (dit Théo), qui deviendra son plus grand ami et confident. Ils auront une longue correspondance et Théo apportera à maintes reprises une aide financière à son frère. Après une scolarité mouvementée, il devint en 1869 commis dans la galerie d'art Goupil et Cie, galerie fondée par son oncle à La Haye. Il passera ensuite par la succursale londonienne puis celle de Paris.

Vincent lit beaucoup, surtout la Bible. Il se désintéresse de son travail à la galerie et finit par démissionner en avril 1876. Il décide alors de se tourner vers la vie religieuse. Il sera prédicateur dans un faubourg ouvrier de Londres avant d’entreprendre des études à la faculté de théologie d’Amsterdam. Il abandonne cet enseignement jugé trop difficile mais reste convaincu de sa vocation spirituelle. Il souhaite devenir prédicateur laïc. Il obtient en 1879 une mission d’évangélisation en Belgique. Il se rend auprès des mineurs du Borinage et partage leurs conditions de vie extrêmement dures. Il a traduit cette découverte de la misère humaine dans des tableaux sombres comme les Mangeurs de pommes terre. Son implication auprès des plus modestes est cependant jugée excessive par ses supérieurs et son poste n’est pas renouvelé.

Après une phase de dépression, il retourne vers la vie d’artiste.

En 1889, il rejoint son frère Théo à Paris. Il découvre les jeunes peintres parisiens, le Louvre et les estampes japonaises. Il rencontre entre autres Toulouse-Lautrec, Pissarro, Gauguin et Bernard. A leur contact et sous leur influence, les tableaux de Van Gogh prennent un peu de couleurs. Bien que Vincent ait été capable de réaliser plusieurs dizaines de tableaux à cette époque, son état mental était loin d’être stable.

Départ pour le Sud de la France

En février 1888, Van Gogh quitte Paris et s’installe à Arles. Sous le soleil de Provence, son style de peinture se modifie. Ses toiles sont plus colorées. Il peint par larges touches courbes et utilise abondamment les couleurs jaune, vert et bleu. Il crée un style inimitable qui atteint son apogée avec la Chambre à coucher et La Nuit étoilée.

Rêvant de vivre en communauté d'artistes, il invite Gauguin à le rejoindre à Arles. Ils vivent et peignent ensemble mais, au bout de deux mois, leurs relations se détériorent. Le 23 décembre 1888, Vincent menace Gauguin avec un rasoir. Cette nuit-là, Vincent, probablement en proie à une crise de démence, se mutile l’oreille gauche. Il l’enveloppe pour aller l’offrir à sa maîtresse Rachel, une prostituée. Il est hospitalisé dès le lendemain.

Aux portes de la folie

Après un bref retour chez lui dans la Maison jaune, Van Gogh entre de plein gré dans un asile près de Saint-Rémy-de-Provence en mai 1889. Il continue à peindre, fait quelques copies de tableaux de Millet et de Delacroix mais aussi des œuvres qui lui sont propres comme les Blés jaunes. Le peintre est victime de violentes crises qui fragilisent sa mémoire.

Van Gogh décide de retourner en région parisienne, non loin de chez son frère, à Auvers-sur-Oise. Il est suivi par le docteur Gachet, un ami des impressionnistes. Ce dernier s’occupe de lui et apprécie son art. Van Gogh en fera d’ailleurs son portrait. Il créera plus de 80 peintures en deux mois !

Le 27 juillet 1890, le peintre met fin à ses jours. Il se tire une balle dans la poitrine et succombe deux jours plus tard, alors âgé de 37 ans. Il est enterré au cimetière d’Auvers en présence de son frère Théo, du docteur Gachet et du peintre Bernard.

http://www.linternau...ogh/biographie/

C'est en 1855 que le père de Renoir, un modeste tailleur de pierres de Limoges établi à Paris depuis 1845, met son fils Auguste âgé de 14 ans en apprentissage dans une fabrique de porcelaine, rue du Temple, où l'adolescent est initié à la peinture sur porcelaine. L'introduction d'une machine mettra fin à cette expérience et plusieurs autres suivront, dont la peinture de tentures d'Église pour des missionnaires d'outre-mer.

Huit ans plus tard Renoir disposait d'assez d'argent pour entrer, en avril 1862, à l'École des Beaux-Arts. Parallèlement aux cours de l'École, il fréquente aussi l'Atelier privé de Charles Gleyre où il se liera d'amitié avec ses condisciples Alfred Sisley, Frédéric Bazille et Claude Monet.

Suite .... http://www.impressio....net/renoir.htm

Picasso, né en 1881, n'avait que 24 ans et venait de s'installer à Paris lorsqu'il a peint ce tableau, en 1905, durant sa « période rose ». La peinture représente en effet un jeune parisien en tenue de travail, une pipe à la main et une couronne de fleurs sur la tête.

Pablo Picasso était un artiste espagnol né à Malaga le 25 octobre 1881, mort le 8 avril 1973 à Mougins, enterré dans le parc du Château de Vauvenargues, Bouches du Rhône. Il est principalement connu pour ses peintures, et est l'un des artistes majeurs du XXe siècle. Il est, avec Georges Braque, le fondateur du mouvement cubiste. Pablo Picasso (1916)Son nom complet était Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispin Crispiniano de la Sentissima Trinidad Ruiz Picasso. Le père de Picasso, Don José Ruiz y Blanco, était peintre et professeur de dessin à l'école de Malaga appelée "San Telmo".Il est en outre conservateur du musée municipal, issu d'une vieille famille bien considérée de la province de Leon, au nord-ouest de l'Espagne.La maman de Picasso, Dona Maria est pour sa part originaire d'Andalousie et a des origines arabes.

Picasso a ainsi commencé la peinture dès son plus jeune âge et réalise ses premiers tableaux dès huit ans. En 1896, il entre à l'école des Beaux-Arts de Barcelone. Signant d'abord du nom de son père, Ruiz Blanco, il choisit finalement d'utiliser le nom de sa mère, Picasso, à partir de 1901.

La période bleue correspond aux années 1901-1903. Elle tire son nom du fait que le bleu est la teinte dominante de ses toiles à cette époque, qui a débuté avec le suicide de son ami Carlos Casagemas ce qui explique qu'elle soit marquée par les thèmes de la mort, de la vieillesse et de la pauvreté.

À partir de 1904, il s'installe à Paris, au Bateau-Lavoir. Il y rencontre sa première femme : Fernande Olivier . C'est le début de la période rose. Comme précédemment, c'est l'utilisation des teintes rosées dominantes qui explique cette dénomination. Les thèmes abordés restent mélancoliques et dominés par les sentiments ; on y trouve aussi de nombreuses références au monde du cirque. Picasso privilégia pendant cette période le travail sur le trait, le dessin, plutôt que sur la couleur.

De 1906 à 1914, il réalise avec Georges Braque des peintures qui seront appelées cubistes. Elles sont caractérisées par une recherche sur la géométrie et les formes représentées : tous les objets se retrouvent divisés et réduits en formes géométriques simples, souvent des carrés. Cela signifie en fait qu'un objet n'est pas représenté tel qu'il apparaît visiblement, mais par des codes correspondant à sa réalité connue. Un même personnage sera par exemple représenté à la fois de profil et de face. Par la suite, les peintures sont devenues des collages, intégrant diverses sortes de matériaux (tissu, carton...).

Picasso revient ensuite pendant quelques années au figuratif, avec notamment des portraits familiaux. Dans les années 1920, il se rapproche du mouvement surréaliste. Les corps représentés sont difformes, disloqués, monstrueux. À la suite du bombardement à Guernica pendant la guerre civile espagnole, en 1937, Picasso réalise l'une de ses œuvres les plus célèbres, appelée aussi Guernica. Elle symbolise toute l'horreur de la guerre et la colère ressentie par Picasso à la mort de nombreuses victimes innocentes.

Très opposé à la guerre, il peint la célèbre Colombe de la paix. Pendant la guerre, en avril 1940, il fait à l'administration française une demande de naturalisation. Mais la citoyenneté française lui est refusée, malgré des dizaines d'années de résidence en France. Sur la foi, notamment, d'une fiche des Renseignements généraux qui le décrit comme « un anarchiste considéré comme suspect au point de vue national » et comme « un peintre soi-disant moderne ».

Il adhère en 1944 au parti communiste. Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, ses tableaux deviennent plus optimistes, plus gais, montrant, comme l'indique le titre d'un tableau de 1945, la Joie de vivre qu'il ressent alors.

http://www.grandspei.../biographie.php

Sculpteur et peintre suisse (Stampa, Grisons, 1901-Coire 1966), fils du peintre Giovanni Giacometti.

Élève d'Antoine Bourdelle (1922-1925), il évolue, sous l'influence des arts primitifs et du cubisme, vers des formes simplifiées ; il développe une thématique obsessionnelle (Femme-cuillère, bronze, 1926, Kunsthaus de Zurich) qui s'épanouit, vers 1930-1935, dans les œuvres à la fois simples et ambiguës de sa période surréaliste (le Palais à quatre heures de l'après-midi, 1932, musée d'Art moderne de New York ; l'Objet invisible (1934-1935). Mais, à travers de multiples recherches, il revient à la figure humaine (figure debout immobile, figure en marche, buste), d'abord dans des sculptures, puis dans des dessins et des peintures. Ses sculptures, d'une facture tourmentée (Femme debout, 1948, Kunsthaus de Zurich ; Homme qui marche I et II, 1959-1960, Fondation Maeght, Saint-Paul-de-Vence), et ses toiles aux couleurs neutres et grises, structurées par des entrelacements linéaires (Diego, 1951, Kunsthaus de Zurich), ont en commun un allongement et un déchargement caractéristiques, et répondent à une volonté de situer les figures dans l'espace vide plutôt que de les décrire. Avec l'aspect d'inachèvement, ce dépouillement participe à l'expression hagarde et angoissée qui domine sa production jusque dans les œuvres plus étoffées et plus réalistes d'après 1957 (Caroline, 1962, Bâle).

Sa formation de peintre débute à Cologne et à Anvers, mais c'est en Italie que Rubens l'achève (1600-1608) : il apprend à connaître les Vénitiens, le Corrège ou le Caravage, et entame une extraordinaire carrière dans toute l'Europe (France, Espagne, Pays-Bas, Angleterre...).

Plus tard, l’artiste s’affranchit en partie des influences reçues, et notamment, du caravagisme, pour aborder avec une vigueur propre les sujets les plus variés. Produisant, avec le secours d’un atelier, de très nombreux portraits, des paysages, des scènes de genre, des scènes religieuses et mythologiques, Rubens développe dans tous les formats, depuis l’esquisse jusqu’aux grandes séries de tableaux, un style ample et baroque, où les effets dramatiques et parfois pathétiques sont appuyés par un coloris vigoureux et brillant et par une composition dynamique reposant sur le mouvement des figures et d’imposantes architectures à la géométrie complexe et décorative (La Vie de Marie de Médicis, musée du Louvre, 1621)

Acceptant de se placer au service de la Contre-Réforme catholique dans ses peintures religieuses, Rubens reste également célèbre pour ses compositions profanes, dans lesquelles il élabore l'image d'une femme, sensuelle et charnelle.

Les nombreuses œuvres de ce peintre baroque évoquant des thèmes religieux sont réalisées à la perfection. On comprend volontiers pourquoi Rubens a inspiré des générations d'artistes.

La Descente de croix fut l'un de ses plus parfaits chefs-d'œuvre. Ses contemporains ne s'y trompèrent pas : de ce jour, Rubens ne fut pas pour eux le plus grand peintre du pays, il fut le seul. Les artistes qui auraient pu essayer de rivaliser avec lui préférèrent travailler sous ses ordres.

http://www.cineclubd...bens/rubens.htm

Anglais d’origine, Francis Bacon naît en Irlande (Dublin) le 28 octobre 1909 ou il passe ses seize premières années dans un climat familial tendu, peu de contacts avec sa mère et parfois trop avec son “salaud de père” comme il ne cessera de l’appeler tout au long de sa vie. Le bonhomme, militaire et prompt au châtiment, le chasse d’ailleurs de la famille à 17 ans lorsqu’il découvre son homosexualité, il le surprend vêtu de sous-vêtements féminins.

Dès lors, Bacon mène une vie de bohème de Londres à Berlin et Paris, ville qu’il affectionne, avant de retourner à Londres en 1929. Il y travaille comme décorateur contemporain et commence à peindre ses premières huiles et gouaches en autodidacte, influencé par Picasso, Rembrandt et Vélasquez à qui il rend hommage plus tard avec sa série des “Papes”. Il subit aussi l’influence de Bunuel, le cinéaste.

Bacon réalise ses premières grandes toiles en 1933, dont plusieurs Crucifixions, présentées dans le cadre de deux expositions collectives à la Mayor Gallery de Londres. Dès 1944, il se consacre uniquement à la peinture et commence à se faire connaître, notamment avec “Trois études de figures au pied d’une crucifixion ”, un tableau d’une rare violence expressive et “deux figures” qui représente deux hommes dans un lit, une peinture qui fait scandale. Bacon peint Une Etude d’après le Portrait du pape Innocent X (1953) de Vélasquez et peint son premier autoportrait en 1956.

Francis Bacon devient célèbre avec son style bien particulier, celle de la déformation de l’image humaine et crée une esthétique de l’angoisse , de l’épouvante voire de l’isolement. En 1962, première grande rétrospective de l’œuvre de Francis Bacon à la Tate Gallery de Londres, suivit en 1963 d’une autre rétrospective au Guggenheim Museum de New York et en 1971 première grande rétrospective de Francis Bacon en France au Grand Palais de Paris. Les vingt années qui suivent Bacon expose dans le monde entier, de Moscou au Japon, en passant par les Etats-Unis et aussi en France.

Francis Bacon connaîtra le succès jusqu’à sa mort à l’âge de 82 ans en 1992 (Au cours d’un séjour à Madrid, Bacon contracte une pneumonie due à son asthme.) et après puisqu’il est unanimement considéré avec Picasso comme l’un des plus grands artistes peintres du XX ème siècle. Largement influencé par l’art classique, Bacon bâtit une oeuvre violente et déchirante triturant la figure humaine qu’il peignit pourtant exclusivement, sans jamais chercher l’abstraction chère à son époque. Bacon est resté un électron libre, il est écarté par les surréalistes et il rejetait autant la figuration « classique », imitative, que l’abstraction pure, qu’il considérait comme décorative.