La plupart des réalisations ont été effectuées dans les grands déserts américains, ou dans des carrières abandonnées, souvent à échelle monumentale. L'¿uvre s'inscrit dans l'espace et ne fait plus qu'un avec celui-là. Ce dialogue avec l'environnement a été engagé par le mouvement minimaliste et revendique un espace architecturel comme espace d'exposition et de production. Il n'y a donc plus de séparation entre l'atelier et le lieu d'exposition. Cette notion d'échelle, souvent gigantesque, entraîne le corps dans un rapport assez particulier avec l'¿uvre, tout un jeu d'échelle se met en place et est à la base du Land Art.

Ce jeu d'échelle provoque chez le spectateur « un flottement existentiel », le spectateur perd ses repères, il est envahi par l'¿uvre. Sa perception de l'espace est chamboulée. Le spectateur n'est plus qu'un spectateur, il est aussi découvreur. Il doit rentrer dans l'¿uvre et il la découvre en la parcourant, en marchant à l'intérieur de celle-ci. De ce fait, il fait partie de l'espace temps de l'¿uvre.

Etant donné que l'¿uvre est réalisée dans la nature elle-même, elle est laissée en proie de celle-ci, elle subira les changements de la nature. De ce fait, les artistes renoncent à un contrôle absolu sur leurs ¿uvres. La nature s'occupera d'achever l'¿uvre. Ainsi, on peut considérer ces ¿uvres comme éphémères vu qu'elles sont soumises aux changements de la nature et qu'elles peuvent disparaître, mais on peut aussi les considérer comme durables. Ces changements sont inscrits dans l'¿uvre, les processus de modifications et de dégradations font partie d'elle. Il s'agit de ce fait d'¿uvres in situ. Elles ne peuvent êtres déplacées et ne sont pas facilement visibles par le public étant donné qu'elles sont souvent réalisées dans des lieux très éloignés.